Delia Agúndez, la fusión de los hermanos Purcell

Delia Agúndez nació en Cáceres en 1982, donde obtuvo el título de Grado Medio de Canto. Tras su paso por el Conservatorio Superior de Música del Liceo, en Barcelona, se tituló bajo la enseñanza de Carmen Bustamente, además de obtener otros dos másteres. Así mismo, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Extremadura y en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de La Rioja.

Con un repertorio que abarca desde el Medievo hasta el Preclasicismo, Delia se ha perfilado en los últimos años como una de las cantantes españolas con más futuro en el campo de la lírica hasta que, definitivamente, se ha colocado en la primera línea del panorama musical nacional e internacional con su disco The Purcells (Enchiriadis). Con este disco ha recibido numerosas y positivas críticas de medios tan importantes como los españoles Hispaopera, El Arte de la Fuga o el estadounidense Voix des Arts.

Ha actuado en países como Francia, Italia, Alemania, Portugal o Corea del Sur, y en canales televisivos como Televisión Española, Radio Nacional de España o Catalunya Clàssica Radio con directores como Sir Collin Davis, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons, Gordan Nikolic o Juanjo Mena. Cabemencionar el premio INJUVE 2012 a la Mejor Interpretación Musical Clásica con su primer disco Voleras. Entre seguidilla y bolera, así como Mejor Embajadora Musical 2012 en los V Premios de la Música Extremeña. En mayo de 2015 ha sido la ganadora de The Akademia Music Awards (EE.UU.) en la categoría de “Best Song Classical-Acoustic”.

En esta entrevista, conoceremos de cerca a esta célebre soprano.

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Daniel Quirós

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Creación, historia y repercusión del Ciclo de Música de la UAM (1973-1983)

Durante el curso académico 2013-2014 realicé mi Trabajo de Fin de Grado en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad Autónoma de Madrid, Creación, historia y repercusión del Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid (1973-1983), dirigido por la Dra. Begoña Lolo.

Este trabajo aborda el estudio de la creación del Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Universidad Autónoma de Madrid y el análisis de sus actividades y programación durante las temporadas 1973-1983, su primera década de existencia. A través de la revisión de las iniciativas musicales públicas y privadas del momento, se ha realizado una panorámica de la agenda musical de la transición para conocer el contexto histórico-social del Ciclo y entender el porqué de su fundación y la repercusión que tuvieron sus actividades en la vida musical madrileña.

Tras una profunda revisión de las investigaciones y artículos existentes sobre la gestión musical en España durante el Franquismo y la transición democrática, observamos que hay escasa información acerca de los gustos musicales de la sociedad que nacía al hilo del cambio político y de las actividades a las que acudían de forma mayoritaria. Al encontrarnos dentro del marco de la Universidad Autónoma de Madrid, resulta coherente plantearnos el estudio del papel que ha jugado la música en la vida de esta institución, destacando el Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música.

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Susana Castro Fernández

Marta Knörr, artífice del Fest3Cantos

El Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos (Fest3Cantos) celebra su 15 aniversario, con un total de nueve conciertos, que tendrán lugar del 26 de septiembre al 25 de octubre en el Centro Cultural Adolfo Suárez. Numerosos encargos y estrenos absolutos, compositores homenajeados, destacados intérpretes y ensambles especializados en el repertorio contemporáneo, charlas informativas, una mesa redonda y un curso de composición conforman el amplio programa de esta edición.

Cartel del Festival

Tras quince años de apuesta férrea por este tipo de música, el Fest3Cantos se ha ganado un hueco dentro de los Festivales de este tipo en la Comunidad de Madrid, consolidándose como una de las citas más importantes. En esta edición además de la Comunidad de Madrid, participan: Galicia, Comunidad Valenciana, País Vasco, Illes Balears y Cantabria. En esta edición hay estrenos absolutos en prácticamente todas las sesiones, lo que refleja el intenso flujo compositivo y divulgativo.

La encargada de que todo esto pueda pasar de un mero esquema a algo tangible es su directora Marta Knörr, directora del festival desde la edición anterior y mezzosoprano especializada en música contemporánea, con un versátil repertorio y amplio trayecto profesional. Con motivo de esta nueva edición del Fest3Cantos, hemos conversado con ella para profundizar en su doble faceta como gestora-cantante.

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Cynthia Piris

Un viaje al teatro musical español del siglo XVIII

Del 17 al 19 de noviembre se celebra en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, el Congreso “Teatro musical español del s. XVIII (teatro breve). Géneros y nuevas perspectivas”, que organiza la citada escuela y la Universidad Autónoma de Madrid.

congreso

El Congreso pretende ofrecer una panorámica de los principales géneros de teatro musical en la España del siglo XVIII, aunque centrándose en el teatro breve, y se estructurará en ponencias y mesas redondas (en sesiones de mañana), además de puestas en escena de algunos de los géneros de teatro musical propios de la época estudiada (en sesiones de tarde). Está prevista la representación de cinco obras dramáticas: una pantomima musical (la que se inserta en el fin de fiesta Disparates concertados dicen bien en todo tiempo de Marcos de Castro, 1735); una tonadilla (La desdicha de las tonadillas de Pablo Esteve, 1782); un entremés (Entremés de la Guitarra de Antonio de Zamora); una mojiganga (Mojiganga de los hombres, muxeres y las dueñas y los matachines de Fray Francisco Cisneros, 1718); y una folla (La pequeña folla de Sebastián Vázquez, 1775).

Se trata de una oportunidad única, que nos permitirá, por un lado, conocer el estado actual de los estudios sobre el teatro musical español del siglo XVIII (ámbito poco explorado hasta la fecha), gracias a las ponencias y comunicaciones de los especialistas más destacados en la materia; por otro, podremos disfrutar de obras que no han sido interpretadas desde el siglo XVIII, y que llevarán a los escenarios los alumnos de dirección de escena, interpretación y escenografía de la RESAD, asesorados por sus profesores.

Además, se facilitará a los asistentes un certificado de asistencia con acreditación por parte de la RESAD y UAM de dieciocho horas. Asimismo, la Universidad Autónoma reconocerá 1 crédito ECTS y 1 LRU de libre configuración. La inscripción como oyentes es gratuita, y puede realizarse a través del siguiente enlace.

No os lo podéis perder…

Cristina Roldán Fidalgo

III Encuentro Iberoamericano de Jóvenes Musicólogos

La Universidad y Conservatorio Superior de Música de Sevilla invitan al gremio musicológico al encuentro que se celebrará en dicha ciudad los días 10 y 11 de Marzo del 2016.

El encuentro se destina a estudiantes de licenciatura y licenciados en Música o Ciencias Musicales, a estudiantes de máster, doctorandos y recién-doctores, o aún a los investigadores afiliados a centros de investigación todavía sin posición consolidada, que podrán participar a través de comunicaciones sobre cualquier tema relacionado a la Música, Musicología y Etnomusicología iberoamericana e internacional.

Se trata de una cita de gran relevancia, sin parangón en el calendario académico internacional, con dos ediciones previas en Lisboa y Oporto. Se espera una participación cercana al centenar de especialistas de casi una veintena de países. La temática es abierta, abordando desde la etnomusicología hasta la iconografía musical, pasando por la música más actual o el flamenco. De modo paralelo a las sesiones, se organizarán actividades musicales aprovechando la presencia en Sevilla de jóvenes de gran proyección.

Si estáis interesados en participar, podéis enviar vuestras propuestas hasta el día 10 de Octubre. Se comunicarán los resultados a partir del 30 de Noviembre de 2015. Podréis encontrar más detalles en la web del encuentro.

¡Animaos a participar en esta interesante propuesta!

Amanda del Rey Mateos

La Orquesta y Coro Filarmonía inaugura la temporada con Verdi y el Orfeón Donostiarra

La orquesta dirigida por Pascual Osa inicia su nueva temporada contando un año más con la fiel colaboración de las más de 300 voces del coro participativo para todos sus conciertos.

Cartel de la nueva temporada

La temporada 2015-2016 de la Orquesta y Coro Filarmonía dará comienzo con un concierto que contará con la visita del Orfeón Donostiarra que junto con la propia orquesta dirigida en esta ocasión por el maestro Sainz Alfaro, el coro participativo y los solistas Amanecer Sierra (Soprano), Ainhoa Zubillaga (Mezzosoprano), Carlos Silva (Tenor) y Francisco de Santiago (Bajo) realizarán una destacada versión del Réquiem de Giuseppe Verdi los días 9 y 10 de octubre en la sala sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid.

No es la primera vez que el Orfeón Donostiarra colabora con esta orquesta, en el año 2009 realizaron su primer concierto juntos y lo que comenzó como algo puntual se ha convertido en una tradición anual. Dos años después ambas agrupaciones decidieron dar una oportunidad para los grupos corales madrileños ofreciéndoles la posibilidad de cantar todos juntos en un concierto sinfónico gestándose así el primer concierto participativo denominado “Canta con el Orfeón”.

Al igual que el año anterior todos los conciertos se realizarán en la sala sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid. La temporada proseguirá su curso el día 28 de noviembre con un concierto dedicado a la figura de Ludwig Van Beethoven y su apoteósica 9ª sinfonía en re menor, op.125 considerada un canto a la alegría y a la hermandad. Coincidiendo con el estreno mundial de la 7ª entrega de la saga de Star Wars, el 12 de diciembre se realizará un concierto cuyo programa estará integrado por una selección de la banda sonora compuesta por John Williams, además, con el objetivo de lograr una atmósfera de cine se contará con la participación de las tropas imperiales de la Legión 501.

Coro Filarmonía
El Coro Filarmonía (©Coro Filarmonía)

Ya con el año nuevo más que comenzado, el 30 de enero se hará un homenaje a nuestro género lírico por excelencia, la zarzuela, con un concierto en el que se interpretarán los fragmentos más conocidos de las mejores zarzuelas de todos los tiempos a través de la conocida Antología de la zarzuela de José Tamayo, cuyo presidente de honor es Placido Domingo.

La Orquesta y Coro Filarmonía darán la bienvenida a la Semana Santa retomando el terreno clásico con un concierto que tendrá lugar el 16 de marzo y que rinde homenaje a uno de los compositores más prolíficos de la historia de la música, Wolfgang Amadeus Mozart y su Misa de Réquiem en re menor K626. Pasando del Clasicismo al Romanticismo el día 2 de abril se recuperará la figura de Giuseppe Verdi para realizar una versión reducida y semiescenificada de La Traviata. El broche final de esta temporada será una versión en concierto de Los Miserables, el musical basado en la novela de Víctor Hugo y con música de Claude-Michel Schonberg y letras de Alain Boublil que tendrá lugar el 30 de abril y contará con la participación de los Coros Infantil y Juvenil Filarmonía además de la visita de los coros juveniles de toda España.

Alberto Oliver

Cuando los secundarios sí fueron “poesía”

TURANDOT. Giacomo Puccini
Intérpretes: Andrea Bocelli, Jennifer Wilson, Jessica Nuccio, Alexander Tsymbalyuk.
Cor de la Generalitat Valenciana.
Orquestra de la Comunitat Valenciana.
Director: Zubin Mehta.
Fecha de lanzamiento: 31 de julio de 2015.


Carátula del CD

Turandot, la gran ópera inacabada de Puccini, se corresponde con el glorioso ocaso de la gran ópera italiana. El profundo pesar por la muerte de Liù, que tanto estremeció a su creador, nos llega hoy de la mano de Zubin Mehta y del sello DECCA Classics en una grabación que incluye el finale que compusiese Franco Alfano. En los papeles protagonistas nos encontramos con el tenor Andrea Bocelli -la gran estrella, sobre el papel- como el príncipe tártaro Calaf, la soprano dramática Jennifer Wilson en la piel de Turandot, la soprano lírica Jessica Nuccio como la esclava Liù y el bajo-barítono Alexander Tsymbalyuk representando a Timur, el padre de Calaf.

La Orquesta de la Comunitat Valenciana, magníficamente guiada por el director indio, ha rubricado uno de sus mejores trabajos junto al más que sorprendente Cor de la Generalitat Valenciana, quienes han sostenido el peso de toda la ópera erigiéndose como uno de los grandes conjuntos actuales del panorama no sólo español, sino internacional. Mehta, en “su” Turandot, parece dejar un buen recuerdo de su despedida de la dirección musical del Palau de les Arts Reina Sofía tras diez años de carrera. Realmente consigue un resultado orquestal y coral que pocas versiones han logrado, erizándonos la piel en varias ocasiones, emulando la mítica grabación de 1973 con el mejor elenco que se haya podido reunir nunca: Pavarotti, Sutherland, Caballé y Ghiaurov. Refleja nítidamente el temor del pueblo hacia Turandot, el fatalismo cuando se compadecen de la pobre Liù en un lúgubre y sombrío “Liù poesia” final. ¿Pero por qué no termina de llegar al nivel de la versión de 1973? La respuesta está en la interpretación de los solistas.

Andrea Bocelli, quien da vida a Calaf, tiene un timbre inadecuado y falto de fuerza para este papel. Recuerda más a un cantante de arias “populares” que al cantante de ópera de honda seriedad. Cierto es que su “Nessun Dorma” es correcto, repleto de matices y muy llamativo, pero su papel en el resto de la ópera no alcanza el grado requerido para el dramatismo del personaje. Se ha de recordar que Bocelli es realmente un cantante pop, con innumerables dotes operísticas, pero con una voz que no alcanza la exigencia de Puccini para el héroe Calaf. Es innegable el esfuerzo que realiza por alcanzar su sueño, tal y como lo ha expresado en más de una ocasión, de desligarse de la música pop para abordar estos papeles operísticos. Su Calaf se aleja, irremediablemente, del logrado Rodolfo que interpreta él mismo de La Bohème.

La otra protagonista que zozobra, aunque de manera menos notoria que el tenor toscano, es la norteamericana Jennifer Wilson. La dificultad melódica de su papel se resuelve de forma correcta, aunque sin fuerza, como su colega Bocelli, no acabando de profundizar e interpretar al personaje. Turandot es una princesa china, hija del emperador Altoum, con carácter vehemente, gobernado por el dolor y el miedo a que algún hombre pueda poseerla. Dicho temperamento, por una parte, debe enamorar al espectador por la energía desprendida, al igual que consigue con los príncipes que deciden arriesgar su vida por conquistarla. Sin embargo, Wilson no causa ningún temor y queda lejos de otras grandes Turandot como Maria Callas, Montserrat Caballé –cuya interpretación en 1977 ha entrado en los anaqueles de la historia musical del siglo XX-, Birgit Nilsson, Ghena Dimitrova o Kiri Te Kanawa.

Una de las grandes sorpresas de la grabación es el bajo-barítono ucraniano Alexander Tsymbalyuk en su papel de Timur, el exiliado rey tártaro y padre de Calaf. Se trata de una espectacular, soberbia y excepcional actuación con toda una gama de colores oscuros que atrapan al oyente y, pese a sus contadas intervenciones, está presente en el subconsciente general durante toda la obra hasta un “Liù! Liù! Sorgi! Sorgi!” estremecedor. Quizás afirmar que se trate de la mejor representación lírica jamás realizada de este papel sea una exageración, pero no hay duda de que estamos ante una de las mejores.

En igual medida, Jessica Nuccio, la presente Liù, construye el papel más importante de la obra, adquiriendo paulatinamente protagonismo y ensombreciendo a Turandot. Su interpretación del aria “Tu che di gel sei cinta” es simple y pura poesía, tanto como el personaje requiere para interpretar a quien no encuentra otra solución salvo el suicidio para darle a su amado la felicidad que tanto ansiaba y librarle de la muerte. La voz se presenta clara, con un vibrato suave y poco marcado, dándole un carácter sensible y delicado. Aunque se trate de uno de los papeles de Puccini más complicados de interpretar, semejante al de Mimí o Cio-Cio-San, consigue solventarlo con lucidez y claridad.

El resultado final, si nos dejamos llevar por una crítica estrictamente musical, no es del todo satisfactorio en las interpretaciones de Calaf y Turandot, los dos personajes sobre los que gira la obra. Optamos por una escucha relajada, sin entrar en profundidad en detalles más técnicos, y centrándonos en los personajes secundarios y el acompañamiento coral y orquestal. De esta forma se escuchará una versión lograda, incluso, con determinados momentos de verdadera pasión y dramatismo. Turandot no sólo es el “testamento musical” de Giacomo Puccini, su mayor ópera en toda su expresión artística, sino también es el legado que deja Mehta en Valencia. En definitiva, en esta Turandot los secundarios sí fueron “poesía”.

Daniel Quirós Rosado

Romanticismo y Siglo XX hecho música de cámara

Grupos de Cámara JONDE. Concierto.
Auditorio Nacional de Música, Sala de Cámara, 15 de Septiembre de 2015, 19.30 h.

El pasado 15 de septiembre, los grupos de cámara de la Joven Orquesta Nacional de España realizaron un excelente concierto, el cual podría considerarse como un pequeño recorrido por el periodo romántico y postromántico, demostrando una vez más que las dificultades de las obras, no son obstáculos para llegar a la perfección.

Cartel del concierto

El concierto empezó con una transcripción para noneto realizada por el director artístico de la JONDE, José Luis Turina, de tres piezas deChildren`s corner” (1908) de Claude Debussy (1862-1918). Con su composición, Debussy buscaba acercar a su hija el mundo de la música y la exigente práctica del piano de una forma lúdica. También buscó la manera de evocar la infancia y su inocencia a través de la música. La transcripción de Turina de estas piezas para piano logra comunicar a la perfección el estilo impresionista de Debussy, regalando a cada solista su momento de gloria para transmitirlo.

La obra que cerró la primera parte del programa fue el Cuarteto de Cuerda nº1 en Fa Mayor op. 18 (1799-1800) de Ludwig van Beethoven (1770-1827). Para ser su primer cuarteto ya sienta las bases de lo que va a ser su producción en este campo. Así, están todos los rasgos distintivos: cierta brusquedad, grandes contrastes dinámicos, y el inteligente uso de los silencios para crear tensión. Los cuatro solistas demostraron poseer una complicidad sublime, logrando transmitir con cada nota, cada gesto, y cada mirada, lo que mejor define a la música del compositor de Bonn: la pasión.

Tras el descanso era el turno del grupo de viento con la interpretación del Quinteto de viento en do mayor op. 79 (1898) de August Klughardt (1847-1902). Klughardt se caracteriza por la música de la “Neudeutsche Schule” en torno a Wagner y Liszt, lo que se ve reflejado en algunas de sus obras; a pesar de que la influencia de Robert Schumann es probablemente aún más evidente. Una vez más, los solistas que formaban el quinteto lograron comunicar el estilo conservador pero a la vez modernista del compositor alemán.

La velada terminó con la intervención de los nueve solistas para la realización del Divertimento para noneto, Op.9 (1925) de Knudage Riisager (1897-1974). La influencia francesa se ​​puede sentir claramente en sus composiciones a partir de mediados de la década de 1920, época de la obra interpretada. A pesar de su complejidad, los jóvenes solistas supieron darle a la obra un toque personal, creando una atmósfera que fue más allá de la espiritualidad y la concisión, aspectos muy resaltados en el estilo de Riisager.

Alicia López Carral